APUNTES BARROCO

                                BARROCO TEMA 12
LA ARRQUITECTURA EN ITALIA Y FRANCIA
Con el triunfo del Barroco comienzan a perfilarse nacionalidades artisticas europeas. Elementos comunes a todas las escuelas arquitectonicas van a ser el empleo del orden colosal y la riqueza de la ornamentacion, pero en el diseño de los espacios interiores y en la composicion de las fachadas surgieron variantes.
La arquitectura barroca italiana se caracteriza por plantas movidas, que contraen y dilatan el espacio mediante paredes concavas y convexas. Identica curvatura de lineas y planos transmiten a las fachadas, gozando los artistas romanos de libertad para improvisar edificios originales.
Francia en cambio impone una dictadura arquitectonica, controlada desde la Academia y sometida al bon gout. Los espacios son de superficies regulares, los volumenes nitidos y las fachadas rectas. Esta rigidez cartesiana presto gran unidad a los proyectos y ha motivado que los historiadores franceses hayan adherido al adjetivo barroco la etiqueta de clasicista para definir el arte de su pais durante el siglo XVII.
LAS PLANTAS ALABEADAS DE BERNINI Y BORROMINI
El barroco romano gira en torno a dos polos contradictorios, Gian Lorenzo Bernini y Francesco Borromini. Ambos artistas construyen edificios de planta eliptica con muros alabeados, pero las diferencias en el empleo de los ordenes y de los materiales, y en el uso del espacio y de la luz fueron diametralmente opuestas.
Bernini respetó las proporciones de los ordenes y las reglas de la composicion, mientras que la fantasia de Borromini rompió estas normas e inventó nuevos elementos.
Bernini utilizó preferentemente el marmol como material de construccion; Borromini fue un arquitecto barato, que empleo el ladrillo, el estuco y el revoque.
Bernini plantea espacios naturales abiertos, con curvaas y contracurvaturas diafanas, mientras que en Borromini los espacios son artificiales y reducidos, al complicarlos mediante combinaciones de alaneos secundarios.
Bernini deja sus fachads e interiores pulidos con el propósito de que la luz y la sombra resbalen y los bañen por igual; Borromini, en cambio, afila los perfiles, añade resaltes y aplica aristas para que la luz se quiebre en tan cortante efecto claroscurista.
BERNINI
Con exito interrumpido sirvió a ocho papas, Luis XIV de Francia le invito a que diseñara el Louvre y sus clientes fueron cardenales y duques. Aristocratica es tambien la unica  orden religiosa que le contrató: la poderosa Compañia de Jesus.
Su carrera como arquitecto se inicia en el Vaticano proyectando el Baldaquino de San Pedro: un palio de bronce, apeado en cuatro columnas salomonica, que situa bajo la cupula de la basilica. Realizo en los años sucesivos dos obras portentosas: la gran columnata (delante de la plaza) y la Catedra de San Pedro (en el abside).
La columnata es funcional y alegorica: cierra opticamente la Plaza del Vaticano, sirve de deambulatorio y abraza ecuménicamente a la cristiandad que peregrina el primero de enero para recibir el Papa la bendicion solemne. La Catedra esta relacionada con la silla que habia usado San Pedro. Bernini lo situa en un trono mayor que abre en la zona superior una gloria que perfora el muro, convirtiendose en el precedente de los transparentes hispanos. Bernini se sentia especialmente satisfecho de la obra Sant´Andrea al Quirinale, iglesia de planta central, destinada a los novicios jesuitas, donde juega con la linea concava y la convexa.
BORROMINI
De caracter violento, de temperamento inquieto y con un final atormentado, que le lleva a suicidarse con su espada. Su clienta se encuentra entre las ordenes religiosas más humildes. Sus comienzos fueron discretos. Trabajó en Milán como cantero y se mudó a Roma donde le acoge su pariente Carlo Maderno que dirigía las obras del Vaticano.
Su primera obra como artista independiente y tambien su ultima realizacion es el complejo arquitectonico que le encargan los trinitarios españoles en Quattro Fontane: realizaba el convento y el claustro, concluia la iglesia con el titulo de San Carlo y mas tarde su admirable fachada. El Oratorio de San Felipe Neri esta concebido como una sala de audiciones.
Emprende su obra culminante: la iglesia universitaria de Sant´Ivo alla Sapienza. Su planta esta formada por dis triangulos equilateros que al cruzarse crean un hexagonos; esta celdilla de panal vuelve a repetirse en la cupula y se ha interpretado como una alusion al papa Urbano VIII.
EL PALACIO CLASICISTA FRANCES: VERSALLES
Versalles es el prototipo de residencia áulica del principe absoluto. Luis XIV eligió este palacio como expresion de la monarquia y de su propia persona, el Rey Sol, que aparecera asociado al dios mitologico Apolo en el decorado de la arquitectura y en las esculturas. Muy pronto, el palacio y la ciudad se convirtieron en un signo santuario de propaganda politica.
Inicialmente, Versalles habia sido un pequeño castillo, rodeado de fosos y cubierto de fosos y cubierto de pizarra que debia su fama a la abundantisima caza que poblaba sus bosques. Luis XIV lo convirtió en marco escenografico de sus fiestas, fijó su vivienda alli y paso a ser capital de francia en detrimento de Paris. Versalles se transforma asi en una ciudad con mansiones para los cortesanos, ministerios y viviendas para los criados. Todo ello coherente y simetricamente articulado en torno a la cámara del rey.
Los artistas que prestaron su ingenio y rigor al servicio del Estado fueron el arqruitecto Jules Hardouin-Mansart, el pintor Charles Le Brun y el jardinero- paisajista André Le Nôtre.
Mansart diseñó una monumental fachada, por cuyo interior corria la Galeria de los Espejos. Le Brun decoró sus espacios con mármoles polícromos y trofeos dorados, pintando en el techo los gloriosos anales del rey.
LA ESCULTURA EN ITALIA: GIAN LORENZO BERNINI
Bernini dominó todas las disciplinas artísticas, pero por encima de todo su vocacion fue la escultura.
Se traslado con toda la familia de Nápoles a Roma. El joven Bernini copia las antiguedades greco-latinas del Vaticano y admira e de Miguel Angel. Años despues, sus contemporaneos los consideraran el Miguel Angel del siglo XVII.
Bernini ha dividido su producccion escultorica en cuatro etapas, que coinciden con el generoso mecenazgo de otros tantos principes de la Iglesia y papas. El material que utilizó fue el marmol y tanto las figuras aisladas como los grupos tendrán un punto de vista frontal.
La etapa juvenil corresponde a los encargos mitologios y bíblicos del cardenal Berghese para decorar su villa. Son obras influidas por la linea serpentinata, en las que da rienda suelta al virtuosismo tecnico en el tratamiento de la textura de la piel, y al estado psiologico de los heroes. Las representaciones de Apolo y Dafne y su celebre David.
2ª fase: con la eleccion de su amigo Urbano VIII como papa, Bernini inicia la epoca llamada alto barroco, caracterizada por la importante conferida al ropaje para apoyar el impacto emocional. Las telas revolotean y se arrebujan en grandes masas de efecto claroscurista, que le permiten policromar la imagen con la luz. Su obra maesta es San Longinos.
3ª fase: el periodo medio, años del pontificado de Inocencio X. Unifico todas las artes, logrando el supremo espectaculo de la teatralidad barroca en el interior de un templo con el Extasis de Santa Teresa, en santa maria della vittoria, de roma. Dio forma al monumento funerario papal en la tumba parietal de Urbano VIII. Erigió una fuente rustica monimental en el corazon del urbanismo romano, como acredita la Fontana dei Quattro Fiumini, en el centro de la Piazza Navona. Resolvió el problema del pecho cortado en los retratos de busto mediante la colocacion de ropajes flotantes que envuelven los hombros y cuya solucion estana pendiente desde la epoca imperial romana, segun se observa en el Retrato del duque Francisco I d´Este, e impuso con la imagen de Constantino el Grande, el nuevo tipo de monumento ecuestre, con el caballo en corveta y el personaje heroizado.
4ª fase: Bernini evolucioma hacia el estilo tardío, buscando el expresivismo y la espiritualidad, tan tipica en la etapa final de los grandes maestros italianos, segun vimos en Donatello y Miguel Angel. Las figuras se alargan y los ropajes se retuercen y agitan, como muestran los Angles con los atributos de la Pasion.
LA PINTURA EN ITALIA
Los Carracci y Caravaggio reaccionaron frente al manierismo desde posiciones distintas, visibles en los modelos que animan sus cuadros y en la iluminacion. Los Carracci se inspiraron en la escultura grecolatina; copiaron a los dioses de la antiguedad pagana, recuperaron las proporciones ideales del cuerpo humano y dieronn origen al clasicismo academicista.
El Caravaggio, retrata a la gente corriente, inagurando el naturalismo.
En cuanro al procedimiento tecnico y al usoo de la luz, los Carracci pintaron grandes frescos para decorar los techos y las paredes de los palacios, que aparecen iluminados con tonos claros; mientras el Caravaggio impone en sus lienzos de caballete el tenebrismo, buscando efectos claroscuristas, donde un foco de luz externo alumbra dramaticamente aquellas zonas que le interesa, dejando el resto en penumbra.
EL CLASICISMO EN LOS FRESCOS DE LOS CARACCI
Fueron una familia de pintores boloñeses, integrada por los hermanos Agostino, Annibale y su primo Ludovico, que recuperan la concepcion poderosa y sensual del mundo mitologico. Abrieron una academia privada cuya asignatura fuerte era el dibujo.
Una vez en la Ciudad Eterna, el joven cardenal Odoardo Farnese le encarga la decoracion pictorica de su palacio, que acomete en dos fases: el Camerino y la gran Galeria. En el despacho privado del cardenal desarrollo quince historias sobre Hercules y Ulises, que escondian una intencion moralizane, justificando asi el empleo de la mitologia pagana en la Roma contrareformista. Aludia al triunfo de la virtud y el esfuerzo frentet al peligro y la rentacion. Hercules y Ulises, representados a escala monumental, aparecian como prefiguras paganas de Cristo, que obtenian la salvacion tras vencer las dificultades de la vida.
La Galeria tambien guardaba un proposito alegorico. Ilustra la podera fuerza del amor, ante la que ceden los diooses y los heroes. Fingió en el techo una arquitectura ilusionista en la que encuadró varias bodas como si fueran cuadros de caballete integrados en el fresco.
EL NATURALISMO Y LOS PROBLEMAS DE LA LUZ: EL CARAVAGGIO
Michelangelo merisi llamado il Caravaggio por la localidad bergamesca de la que era su familia, es el creador del naturalismo y del tenebrismo pictorico. Su vida está marcada por la bohemia y su arte por la incomprension. Se traslada a Roma, donde su caracter arrogante y le lleva varias veces a la carcel y al asesinato de un hombre por riñas de juego. Condenado por homicida.
Sus sinceras representaciones populares, dominadas por un aspero verismo, fueron rechazadas por el pueblo que queria ver las decorosas imagenes concebidas por el arte oficial de los Carracci. Sus contemporaneos le reprocharon el mal uso que hizo de su talento.
La fase inicial corresponde a sus primeros años romanos. Se caracteriza por cuadros pequeños de medias figurss, que el pintor vendia en los mercadillos ambulantes para subsistir y en los que da vida al mundo callejero de la picaresca: jugadores de cartas, gitanos. En este periodo inventa el bodegon moderno con La cesta de frutas y representa a jovenes andróginos, languidos afeminados y ambiguos, bajo la apariencia mitologica de Baco o disfrazados de musicos travestidos, como El tañedor de laud.
Las interpretaciones religiosas tamnien encuentran cabida en su paleta, legandonos la Cena de Emaús. Todos estos cuadros estan construidos con figuras sólidas, recortadas sobre fondo neutro y de rico colorido que proclama la conquista de la realiadd en su vertiente cotidiana.
Inicia su estilo maduro en el que funde el naturalismo con su vision revolucionaria de la luz, creando el tenebrismo. En esta fase intermedia se dan cita los grandes encargos para las iglesias romanas. La crucifixion de San Pedro y La conversion de San Pablo. De esta serie el cuadro mas interesante y divulgado quizas sea La vocacion de San Mateo.
Otras obras que atestiguan la polemica que desato el naturalismo tenebrista en la Roma de su tiempo son La virgen de Loreto o La muerte de la Virgen.
La etapa final coincide con su exilio, pintando cuandros religiosos para las iglesias del sur de Italia y Malta, mientras huía de la justicia. Este periodo son Las siete obras de misericordia. La decapitacion del Bautista y La resurreccion de Lázaro.
LA PINTURA EN FLANDES Y EN HOLANDA
HISTORIA
Fuera de Italia, la pintura barroca alcanza un amplisimo desarrollo en los antiguos paises bajos que se fragmentan en dos estados irreconciliables: Flandes al sur y las Provincias Unidas Holandesas al norte. Luchas religiosas, conflicos politico-sociales y fronteras economias, incubadas en el siglo XVI determinan esta separacion geográfica, que generara igualmente concepciones artisticas antagonicas, obsesrvables tanto en la iconografia que decora sus iglesias y viviendas como en el tamaño de los cuadros.
RELIGION
En Flandes la tematica religiosa es evangelica, hagiográfica y sacramental, plasmandose en grandes cuadros de altar. En Holanda se cultivan asuntos biblicos de formato pequeño para ser contemplados en la intimidad del dormitorio domestico, ya que luteranos y calvinistas ham suprimido el culto a las imagenes, y estas han desaparecido de las iglesias
VIVIENDA
El resto de la vivienda tuvo tambien una particular decoracion, pues en Flandes se conserva el genero mitologico para enriquecer los palacios cortesanos, y en Holanda es sustituido por escenas costumbristas, que representan ocupaciones caseras; son los tipicos interiores holandeses, en los que debajo de las imagen de lo cotidiano , bañada por sorprendentes efectos de luz, se esconden alegorias moralizantes de caracter puritano: la pereza, la avaricia y la infidelidad.
EL RETRATO
En Flandes el retrato es individual y se concibe bajo paradigmas solemnes, con el propósito de mostrar el elevado rango social del personaje, en cambio, en Holanda tiene caracter corporativo, ofreciendo sus artistas un explendida galeria de grupos, por la que desfilan los oficiales de las guardias civicas que custodian sus ciudades, captados en un almuerzo de camaraderia, los miembros de profesiones liberales en el curso de una reunion entre colegas, o los sindicos de lo gremios entregados a discutir la politica comercial.
BODEGON
Las opulentas cocinas y despensas que pintan los bodegonistas flamencos, atestadas de comestibles, donde la variada oferta de la produccin agrícola se amontona con pescados, carnes y aves de corral, deja paso en Holanda a seberas mesas de comedor, sencillamente ordenadas y apenas cubiertas con platos y bebidas frugales. El consumo de Flandes, reflejado en la abundancia de sabrosos manjares para estimular el apetito, es sustituido en Holanda por el ascetismo protestante.
LA ESCUELA FLAMENCA: RUBENS
Pedro Pablo Rubens es mucho mas que un pintor de tipos masculinos atleticos y mujeres de carnes cenerosas sonrosadas y sensuales. La naturaleza le dotó de un cerebro prodigioso para desenmarañar los problemas compositivos de un cuadro y fue un mago del color. Es el artista mas culto de su tiempo, hablaba y secribia seis lenguas modernas a parte del latin y estuvo considerado como un sagaz diplomatico al servicio de la politica exterior de España. Su habilidad en los asuntos de Estado le hizo recorrer las cancillerias europeas negociando tratados de paz, como el obtenido entre Madrid y Londres.
Rubens aprovecho la visita a la ciudad castellana para pintar el Retrato ecuestre del duque de Lerma.
En uno de los frentes del taller que creó el mismo, mandó elevar una tribuna desde la que vigilaba a sus multiples aprendices y oficiales atareados en la factura de monumentales retables y complejas series decorativas.
Elevada puerta de casi siete metros de altura, por la que salian de costado los gigantescos lienzos rumbo a su destino. Cerca de 3000 cuadros llevan actualmente el sello Rubens; tal abundancia solo es comprensivle por la amplia cooperacion de discipulos. Rubens firmaba los contratos, daba el boceto preparatorio, supervisaba el trabajo y cobraba. Empresario y gran organizador comercial, su participacion en el cuadro dependia del dinero que le pagaban.
Rubens dominó todos los procedimientos de la tecnica pictorica, desde lienzos al óleo hasta murales al fresco, pasando por los cartones para tapices. Con identica maestria tocó todos los temas y géneros, pero renovandolos. Pintó asuntos  religiosos, historiccos y mitologicos; cultivó el paisaje, el bodegon y fue un esplendido retratista. La pintura no tuvo secretos para el .
Como pintor religioso se inicia con los tripticos de La Elevacion de la cruz y del Descendimiento.
Su obra cumbre, en el deseo de mostrar el poder del papado frente a la herejía protstante, es El triunfo de la Eucaristia, conjunto de veinte tapices que la archiduquesa Isabel Clara Eugenia, hija de Felipe II y gobernadora de los Paises Bajos, ofreció al convento de las Descalzas Reales de Madrid, en el lque se habia educado.
Rubens sera el decorador de los grandes palacos europeos de la monarquia absoluta. El ciclo mas exultante, considerado como uno de los triunfos de la pintura de todos los tiempos, es el de María de Medici. Esta italiana, reina regente de Francia le confia dos series con escenas de su glorificacion y de su difunto marido, Enrique IV, destinadas a revestir sendas galerias de su recien concluido palacio en Paris. Rubens comienza por ilustrar en veintiun cuadros, la vida de la reina. El artistta funde la historia de la mitologia. En el sorprendente plazo de tres años, los cuadros estaban en su destino, trasladandose al Museo del Louvre cuando el palacio de Luxemburgo fue convertido en sede del Senado.
Cuando regresa por segunda vez a España conoce a Velazquez y copia los tizianos de Felipe IV.
Con 53 años y viudo, se casaba en segundas nupcias con Helena Fourment, una muchacha de 16 años que será la musa de sus composiciones mitologicas, probablemente los cuadros mas conocidos de Rubens. Las tres Gracias o el Juicio de Paris.